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SEGUIMIENTO: HISTORIA DE DUL, UN PERRO ABANDONADO.

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HISTORIA DE DUL, UN PERRO ABANDONADO (1999)
© FLORENCIO SÁNCHEZ. © All rights reserved.


















Dul, fue encontrada en abril de 1999 por un veterinario a un lado de la autopista que circunda Madrid (M-30), con una pata rota y múltiples contusiones, presuntamente producidas por malos tratos de su anterior dueño. Estimó que Dul no contaba ni con dos años de edad.

Este la curó y enyesó, entregándola temporalmente a Adela para su cuidado, hasta poder encontrar un lugar más adecuado para un galgo y que no fuera un piso en Madrid. Adela le llamó "Dul" (Dulcinea), por ser hembra y por aquello de que tanto los galgos, como "Dulcinea del Toboso" están íntimamente ligados a la Mancha y como recuerdo a Don Quijote que poseía "un rocín flaco y un galgo corredor".

En el tiempo que permaneció en Madrid, Dul tenía mucho miedo a las personas. Se escondía en el último rincón de la casa y jamás expresaba alegría por nada. Mientras que cualquier perro desea salir a la calle en todo momento, a Dul había que cogerla en brazos para sacarla de la casa. Y una vez fuera, huía de cualquier persona que se encontraba a su paso.

En aquel momento la conocí yo, y desde el principio sentí deseos de fotografiarla, motivado por la expresión de su mirada y la tristeza que me produjo el contraste del yeso en la pata de un galgo. Dos meses después y curada de sus lesiones, Adela contactó con Milagros, dueña de una pequeña casa en el campo, donde no existía ninguna otra vivienda habitada a excepción de una vaquería próxima.

Una vez instalada allí, conoció un perro llamado "Friqui" y una perra blanca llamada "Moa", pertenecientes a la vaquería. Tal vez los días que llegaron a continuación fueron los más felices de su vida. Tenía campo para correr y amigos con los que compartir sus salidas. No existían personas de las que asustarse. Un día llegó a traer una liebre a casa. Poco a poco, Dul fue ganando fuerzas y seguridad en sí misma.

Sin embargo, seguramente Dul jamás olvidó a las personas que cuando era un cachorro la trataron mal. Tanto es así, que acabo no diferenciando éstas con su última dueña, de tal manera que todos los síntomas de agradecimiento que tuvo al principio, los cambió por agresividad hacia las manos que le daban de comer.

Hace poco, escuché en la radio que los primeros seis meses de vida de un perro son fundamentales para la educación e identificación de su dueño. También me enteré que Dul no tuvo solución y finalmente hubo de ser sacrificada.

En el campo la echan de menos sus amigos "Friqui y Moa".


***Este reportaje ha sido realizado integramente en laboratorio tradicional de blanco y negro.Las fotos han sido tomadas con una cámara Nikon F90, película kodak tri-x 400 ISO y reveladas en papel baritado Ilford multigrado FB warmtone. Revelador de película Kodak D-76 y revelador de papel Agfa neutol WA (en tonos cálidos) Viradas al sulfuro con ligero tono sepia.

http://www.florenciosanchez.com/a/historiadedul.htm

SEGUIMIENTO: COUNTRY DOCTOR

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COUNTRY DOCTOR (1948)
W. EUGENE SMITH (*)

Seguimiento al Doctor Ernest Ceriani en el pequeño pueblo de Kremmling, Colorado. Considerado como el primer ensayo o "foto historia", corriente del fotoperiodismo moderno.


HE MUST SPECIALIZE IN A DOZEN FIELDS

THE DAY'S FIRST OFFICE CALL is made by a tourist guide and his baby, who have come to Kremmling from an outlying ranch. Ceriani's patients are of all ages and income groups and come from doctorless areas as far as 50 miles away.


HOME CALL at 8:30 a.m. starts Ceriani's day. He prefers to treat patients during office hours at the hospital, but because this printer had a fever and symptoms of influenza Ceriani thought it would be unwise for him to get up and make the trip.


X-RAY PICTURE is explained to a rancher by Ceriani, who developed the negative himself. In addition to the X-ray machine, the hospital contains about $10,000 worth of equipment, including a $1,500 autoclave and an oxygen tent.


MINOR EMERGENCY disrupts Ceriani's office routine. This 60-year-old tourist, suffering from a heart disturbance aggravated by a trip through an 11,000-foot pass in the Rockies, came to the hospital to get an injection of morphine.

BROKEN RIBS, the result of an accident in which a horse rolled on this patient, are bound with adhesive tape by Ceriani. Many of his hardy patients walk in with injuries which would make city dwellers call at once for an ambulance.


ANOTHER HOME CALL turns up a feverish 4-year-old suffering from acute tonsillitis. Although a large proportion of his patients are children, Dr. Ceriani is still inexperienced in pediatrics and studies it whenever he has an opportunity.


PROBLEMS OF AGE—in this case a slight deafness complicated by deposits of ear wax—are daily brought to the doctor. Here, in an operation chiefly important for its effect on the patient's morale, Ceriani removes the wax with a syringe.


AN ACCIDENT INTERRUPTS HIS LEISURE
AT 4:15 two friends start to give fisherman Ceriani a ride to Gore Canyon in a railroad motor car. Dr. Ceriani's moments of relaxation are rare and brief. Last month, taking a chance that he would not be missed for three hours, he asked two employees of the Denver and Rio Grande to take him out on a railroad gasoline car to Gore Canyon.


There he fished alone in the rapids of the Colorado, working expertly over the white water for almost 30 minutes. Suddenly he saw the car coming back up the canyon far ahead of time, and automatically he commenced to dismantle his fishing rod. Ceriani had no feeling of resentment at the quick end of his excursion; he merely stood still waiting for the car to reach him, wondering what had happened and hoping that it was not serious. When the car arrived Chancy Van Pelt, the town Marshal, hopped off and said, "Little girl at the Wheatly ranch got kicked in the head by a horse. Can you come now?"


AT 5:00 Ceriani begins his day's fishing in the boiling, trout-filled rapids of the Colorado River.
Lee Marie Wheatly, aged 2 1/2, was already in the hospital when Ceriani arrived. While her parents watched he looked for signs of a skull fracture, stitched up a great gash in her forehead and saw that her left eyeball was collapsed. Then he advised the Wheatlys to take their child to a specialist in Denver for consultation on removal of the eye. When they left Ceriani was haggard and profoundly tired. He did not remember that he had been fishing at all until, on his way out of the emergency room, he saw his rod and reel lying in the corner where he had thrown them.
AT 5:30 Kremmling's town marshal has come after Ceriani and they start back to take care of an emergency case.


THE CHILD'S PARENTS watch in anguish (left) while Ceriani examines their daughter. The hospital's two nurses, one of whom is on duty in the hospital at all hours, had tried to check the flow of blood from her forehead and had given her a dose of phenobarbital while Ceriani was on his way back from fishing trip.


HAVING DONE HIS BEST for the child, Ceriani is worn out and tense as he completes the emergency treatment. He has stitched the wound in her forehead so that she will have only a slight scar, but already knows that nothing can be done to save her eye and tries to think of a way to soften the news for her parents.


HE SETS A BADLY DISLOCATED ELBOW
CERIANI HELPS carry the painfully injured boy into the hospital.
Young Robert Wiggs had a dislocated left elbow. He had been to a rodeo in nearby Granby, had a few beers and tried to ride a wild horse. When he was brought by his friends to the hospital, he was in great pain and swearing loudly. "Don't tell my mother," he said.
Dr. Ceriani X-rayed the arm. Then, because it was necessary to give Wiggs ether, he questioned him about the beer he had drunk. Wiggs said, "Only a few," and the operation proceeded. The boy's friends and a nurse held him while Ceriani set the joint (next page) and made a cast for it.


HE PULLS AT THE BOY'S ARM to bring the elbow joint back into place.
As the effects of the ether began to fade, Wiggs began groggily to repeat, "Don't tell my mother." At this Ceriani glanced across the table. There stood Mrs. Wiggs (next page), who had been notified of the accident and had rushed to the hospital in time to hold her son's hand during the last of the operation. Ceriani grinned at her, trying to convey two ideas. One was that her son would be all right. The second was that Ceriani himself was a man who might not long ago have had a few beers and tried to ride a wild horse, and therefore did not think this affair was one of the utmost gravity.


THEN CERIANI APPLIES A CAST while the half-conscious boy murmurs, "Don't tell my mother," not realizing his mother his holding his hand.


BEFORE THE AMPUTATION Ceriani checks Mitchell's blood pressure.
Old Thomas Mitchell had a gangrenous left foot. He was 85, and when he was brought to the basement emergency room three months ago it seemed unlikely that he would live long. But he survived, and when Dr. Ceriani came to tend him he would say, "I want to see the mayor. When is the mayor coming?" as though such a visit would clear up the trouble.
For a long time Dr. Ceriani postponed the inevitable amputation, afraid that the old man could not survive it. Twice he told the nurses, "Tomorrow I will do it," but when tomorrow arrived Mitchell had grown weaker


IN THE OPERATING ROOM the old man receives a spinal anesthetic.
Finally the old man rallied and Ceriani hastily made his preparations. With great gentleness he carried his patient up to the operating room, gave him a spinal anesthetic and cut off his left leg below the knee. The old man, conscious but with his vision blocked by a screen, was not aware of what was being done and did not discover that this leg was gone until long after. He continued to say, "My foot hurts," while Dr. Ceriani, busy now with other cases, sighed in relief. Last week the old man was much improved and asking with increased spriteliness to see the mayor.


...AND AMPUTATES A GANGRENOUS LEG
BECAUSE THE HOSPITAL HAS NO ELEVATOR, Ceriani picks up his patient in the basement ward to carry him upstairs to the operating room.


AN OLD MAN DIES AT NIGHT
IN THE PARLOR Ceriani tucks a blanket around the dying man before taking him out into the night.
A few minutes before midnight the people in Joe Jesmer's house called Dr. Ceriani to tell him that Joe was very sick. Ceriani put on a cloth jacket, went over there quickly and found 82-year-old Joe dying after a heart attack. He was still conscious, but in his pain and bewilderment he felt that he was somehow trapped and needed rescuing. He continually said, "Please, please get me out of here."


IN THE KITCHEN, while the women whisper, Ceriani telephones the priest to tell him that the old man will not live through the night


AT MIDNIGHT Joe Jesmer's womenfolk stand silently around the door to see him taken away.
Ceriani and Chancy Van Pelt got Joe onto a stretcher (left), while Helen Watson, a roomer in Joe's house stood watching quietly and without tears. Ceriani called the priest, asking him to come to the hospital. Chancy and he carried Joe out to the ambulance and drove off. There was nothing Ceriani could do except make Joe comfortable and watch him die. At about 2:30 it happened. He left the hospital then and went home, finding his wife asleep and his own house as quiet as all the rest in town.


COMMUNITY ABSORBS MOST OF HIS TIME
THE HOMELY WOODEN BUILDINGS and wide treeless streets of Kremmling stand on a 7,000-foot plateau beneath the towering Rocky Mountains.


THE DOCTOR AND FAMILY watch a parade in Kremmling. Ceriani holds 11-month-old Gary, while wife Bernetha steadies 3-year-old Philip on the rail.


THE HOSPITAL, one block away from Ceriani's house, is a neat white wooden building with three separate wards which can accommodate a total of 14 patients.

Kremmling lies on a 1 1/2-mile-high plateau on the edge of the Rockies. Tourists and transcontinental travelers find the country beautiful, as does Ceriani, who also finds it advisable in bad weather to take chains, blankets, an ax and a can of beans with him on trips to ranches in the hinterland. The town itself consists of about 150 small buildings, including the hospital (left, bottom), and a few old log cabins. Mrs. Ceriani, who came from rural Colorado, was already familiar with this environment and adjusted easily to it. She faithfully reminds him to send out his bills — which are far lower than those of an urban physician — and has long since grown used to emergencies at all hours and to the sudden collapse of her plans to see a movie or play bridge. She has learned to accept all the problems of her husband's career except one. Even after four years of marriage, she is still unable to reconcile herself to the fact that his time is not his own. She and her two young sons must see him at unpredictable intervals, on special occasions (left, top) or simply fall asleep waiting for him to finish his work.


AFTER MIDNIGHT
After an operation which lasted until 2 a.m., Ceriani had a cup of coffee and cigaret in the hospital kitchen before starting home. The nurses constantly admonish him to relax and rest, but because they are well aware that he cannot, they keep a potful of fresh coffee simmering for him at all hours.

(*) W. Eugene Smith, reportero gráfico, nació en Wichita (Kansas) en 1918 y falleció en Tuscon (Arizona), en 1978.
Smith se graduó en la Alta Escuela del Norte de Wichita, en 1936. Empezó su carrera realizando fotografías para dos periódicos locales, "The Eagle" y "The Beacon". Se mudó a New York y comenzó a trabajar para el Newsweek y comenzó a ser conocido por su incesante perfeccionismo y su personalidad. Eugene Smith salió de Newsweek por rehusarse a usar cámaras de formato medio, uniendose a la revista Life en 1939. Pronto dimitió de su puesto en la revista Life y fue herido en 1942 mientras simulaba una pelea para la revista Parade.
Trabajó como corresponsal para la publicación Ziff-Davis, y de nuevo para la revista Life; Smith fotografió la Segunda Guerra Mundial desde las fronteras de las islas americanas, realizando las fotografías de la ofensiva americana contra Japón y tomando fotos de los marines norteamericanos y de los prisioneros de guerra japoneses en Saipan, Guam, Iwo Jima y Okinawa. En Okinawa, Smith fue herido por un mortero. Una vez recuperado, continuó su labor en Life y perfeccionó el ensayo-fotografía, desde 1947 hasta 1954. En 1950 viajó hasta el Reino Unido para cubrir las elecciones generales, en donde salió victorioso Clement Attlee, del Partido Laborista. La editorial de la revista Life se mostraba en contra de un gobierno laborista, pero los ensayos de Smith sobre Attlee eran muy positivos. Finalmente, un número limtiado de fotografías de Smith de la clase obrera británica fue publicada en Life. En la década de los 50 se une a la Agencia Magnum.
Smith se volvió a separar de Life porque la revista había usado sus fotos sobre Albert Schweitzer. Empezó un proyecto documental sobre Pittsburgh, y una serie de libros de sus foto-ensayo. En estos libros, Smith tenía un auténtico control sobre el proceso de edición del libro, llegando a tener una gran fama de incoformista. Murió en 1978 debido al consumo masivo de drogas y alcohol.
En la actualidad, la fundación W. Eugene Smith promueve la "fotografía humana", que desde 1980 premia a los fotógrafos comprometidos en este campo.

8. STREET PHOTOGRAPHY




Tras deleitarnos con una selección de grandes precursores de la fotografía callejera muy alejados de dogmatismos, llega el momento de reseñar los trabajos de autores actuales que abordan esta difusa disciplina con un enfoque muy propio y unos usos poco habituales. De la mano de fotógrafos como Guillermo Cervera, que despliega su buen ojo en zonas en conflicto, o Philip-Lorca diCorcia, que monta sets de luces en plena calle, la llamada street photography rebasa las fronteras que la separan de otras disciplinas.


Joel Meyerowitz (Nueva York, 1938)
Seguramente el autor contemporáneo que más ha teorizado sobre street photography, convirtiéndose en una referencia para documentales sobre el tema como “Finding Vivian Maier” o “EverybodyStreet”. Es precisamente al inicio de este último que el neoyorquino cuenta cómo a raíz de un encargo de la agencia de publicidad en la que trabajaba vio a Robert Frank en acción y decidió abandonar su puesto de director de arte para dedicarse a la fotografía.
Meyerowitz fue pionero en el uso sistemático del color a principios de los años 70 -antes incluso de la exposición de William Eggleston en el MoMA en 1976 comisariada por John Szarkowski- y ayudó a superar el estigma que hasta entonces sufría frente a la imagen en blanco y negro. Sus fotografías se centran, sobre todo, en la espontaneidad de la vida en la calle, con un punto de surrealismo que va mucho más allá de lo irónico y que permite al espectador recrearse en la escena.
Pese a haber trabajado el paisaje y el retrato en gran formato, en sus instantáneas urbanas se mantiene fiel a la película de 35 milímetros y a la Leica. Meyerowitz se entremezcla con la gente en una especie de baile de masas. Su forma de entender este tipo de fotografía tiene que ver con lo que denomina “un impulso puro”.



Martin Parr (Epsom, Inglaterra, 1952)
Las series fotográficas más destacadas de Martin Parr están repletas de guiños irónicos, con personajes apáticos en un primer plano que escenifican en realidad el ataque mordaz de este autor británico a la sociedad. Parr se ceba con la pompa de los asistentes a prestigiosas carreras de caballos, los turistas que acosan monumentos con sus cámaras en todos los rincones del planeta, los domingueros que atestan lamentables playas del sur de Inglaterra, el lujo desmesurado -y de dudoso gusto- de los nuevos ricos en Asia o incluso con grupos de ancianos que se reúnen ataviados con la bandera británica.
Pero el propio Parr rechaza el término de street photography a la hora de catalogar su obra: “Es una de mis armas, es algo que hago, pero no es lo único”, explicaba recientemente a Quesabesde. “Fotografío en las calles porque me interesa fotografiar a la gente y ahí es donde la encuentro.” Su forma de conectar con los protagonistas de sus fotografías es lo que le lleva a situarse “donde es necesario para conseguir la foto que quiero”. Y la mayoría de las veces eso le coloca a pocos centímetros de los retratados.
Sorprende que a esas distancias la presencia de un tipo grandón como él, que a menudo trabaja con un flash anular -un accesorio que llama la atención por su singularidad-, no logre abstraer a los protagonistas de sus instantáneas de una desidia que ya forma parte del sello de este fotógrafo de Magnum.
Parr es uno de los ejemplos más claros de que este género no es un fin en sí mismo, sino un medio -quizás el más adecuado- para contar historias.

Bruce Gilden (Nueva York, 1946)
Junto a Philip-Lorca diCorcia, es el fotógrafo que más se diferencia del resto en esta lista. Y es que Bruce Gilden ha desarrollado una forma de trabajar tan característica -y expeditiva- que sus fotos han dado pie a un estilo inconfundible. El de Magnum se pasea entre la muchedumbre de las calles de Nueva York embutido en su chaleco de fotógrafo, con su Leica y un flash de mano, buscando una presa -literalmente- que le llame la atención. “Uso mucho el flash porque me ayuda a visualizar mis sentimientos hacia la ciudad: la energía, el estrés, la ansiedad…”, explica en el mencionado documental “Everybody Street”. El objetivo gran angular, el flash y el factor sorpresa inherente a disparar una foto a escasos centímetros del rostro del despistado transeúnte hacen el resto.
Aunque sus instantáneas más conocidas pertenecen a esta serie, Gilden también aplica su particular forma de trabajar en reportajes como “Picnic with a Gangster”, donde retrata a Sergey Smirnov, un mafioso ruso de Ekaterimburgo. Lo paradójico de sus fotografías es que interactúa con sus personajes para forzar su espontaneidad.
Con todo, no es extraño que haya voces críticas con su trabajo. El mismo Joel Meyerowitz no se mordió la lengua en una entrevista para The Observer: “Es un puto matón. Desprecio su obra, desprecio su actitud; es un matón agresivo y todas sus imágenes son iguales porque solo tiene una idea: voy a avergonzarte, voy a humillarte.” Y lo cierto es que el propio Gilden afirma en varios documentales que carece de ética pese a considerar que no hace nada malo.
Controversias al margen, su punto de vista sobre lo que hace que una instantánea pertenezca a esta disciplina fotográfica coincide con lo que piensan la mayoría de autores: “Si puedes oler la calle mirando una fotografía, entonces es street photography. Sientes como que estás ahí mismo.” Y son precisamente las líneas de la fotografía callejera que cruza Gilden las que añaden valor tanto a su trabajo como a un género que, gracias a aportaciones como la suya, no deja de ampliar horizontes.

Guillermo Cervera (Madrid, 1968)
Aunque sus fotografías más conocidas nos trasladan a zonas en conflicto, la fotografía callejera brilla con luz propia en el trabajo de Guillermo Cervera. Las instantáneas de este madrileño, en las que se atisba un doble sentido, muestran la vida en la calle con más matices de los que aparentemente hay, mezclando personajes en diferentes capas y relacionándolos de forma relevante.
Ese mundo paralelo cargado en ocasiones de ironía que se aprecia solo desde un ángulo y en un momento determinado atiende a la perfección a la definición del género. Pero Cervera lo supera al llevarlo a escenarios de guerra, como hace unos meses en Ucrania: “Yo en vez de retratar qué malos son los rusos fotografío cómo viven los ucranianos”, declaraba en una entrevista concedida a Quesabesde.
Por frívolo que pueda parecer, el madrileño, más que hacer streetphotography en zonas en guerra, la utiliza para mostrar cómo es la vida de la gente corriente. Algo poco común entre los fotógrafos que cubren conflictos: “A mí me encanta hacer fotos de calle”, explica. “Es la mejor manera de documentar lo que hay, porque pasas desapercibido y sacas escenas reales.” Pero la realidad es que hace falta valor y un planteamiento independiente: “Mi motivación es este giro en contraposición a lo que la prensa internacional nos cuenta.”
Cervera hace buena la teoría de que los museos son escenarios idóneos para la street photography, y en su serie por varias de las salas más destacadas del mundo -como el Louvre, el MoMA o el MNAC de Barcelona- se aprecia su forma de resaltar lo curioso, lo divertido y lo anecdótico de entre lo cotidiano.
Reales e imperfectas como la vida misma, sus fotografías son fugaces, en ocasiones movidas y no excesivamente nítidas, pero con un sabor tan cotidiano que refuerza el sentido del humor, de la realidad y de la oportunidad.

Alex Webb (San Francisco, 1952)
Es uno de los grandes nombres de Magnum Photos y un pionero por la complejidad en su forma de combinar el color, la luz, las sombras, los reflejos… así como de conjugar personajes en diferentes planos, todo ello en las décimas de segundo que dura una escena fugaz. Alex Webb ha viajado por todo el mundo captando la esencia de lugares que, a tenor de sus imágenes, se antojan exóticos y a la vez cercanos.
Más allá de un letrero con caracteres indescifrables, de pieles morenas propias de latitudes caribeñas o de burkas que cubren el rostro de una mujer, sus fotografías son cotidianas por la proximidad con que aborda a sus personajes.
El californiano se adapta y pasa inadvertido en las situaciones más inverosímiles, siempre ojo avizor para situarse en el lugar idóneo. “Creo que ya lo dijo Cartier-Bresson: de alguna manera percibes la posibilidad de una foto, hay algo interesante… algo comienza a pasar aquí y allí, algo que no creías que pudiera ocurrir. Eso es lo que realmente me apasiona como fotógrafo”, dice en una entrevista para Vogue Italia. El resultado acaba siendo una armonía de siluetas, espacios, luces, zonas en sombra, colores y rostros expresivos.
La sensación de saborear la atmósfera y vivir la acción en el momento del disparo es lo que más destaca en su forma de salir a la calle con la cámara. Webb infiere a sus fotografías una atmósfera cargada y envolvente: a plena luz del día, con colores sobresaturados; en interiores o de noche, con una luz artificial más suave y tenue. En casi todas sus fotografías parece ocurrir algo que suele quedar a medio dilucidar.

Philip-Lorca diCorcia (Hartford, Estados Unidos, 1951)
Las imágenes que ponen a Philip-Lorca diCorcia en esta selección son las que aparentemente deberían excluirle: parecen todo un montaje escénico en plena calle, con flashes y figurantes. Pero en realidad el fotógrafo solo controla los flashes. Todo lo demás es fruto de la espontaneidad, de pasar desapercibido y de una singular técnica que le permite llevar lastreet photography hacia un terreno más acorde con la fotografía documental (por su contenido) o con la moda (por su forma). De nuevo los límites se desdibujan.
Pero, ¿qué técnica utiliza diCorcia? El estadounidense coloca flashes a una cierta altura en el mobiliario urbano. Mediante control por radio, los dispara desde su cámara cuando el personaje que le interesa pasa por el lugar. Trabaja además con un teleobjetivo, algo que distingue sus fotos de las ópticas más habituales en esta disciplina, de 28, 35 o 50 milímetros.
Los protagonistas destacan del resto por la iluminación dura, por estar más nítidos y por la teatralidad que confiere a la escena el uso del flash. En lo expresivo se intuye la distancia del fotógrafo y se percibe unanimidad en la acción. Sin embargo, todo ello va en favor de la interpretación, absolutamente libre para el espectador.
Su planteamiento se aleja de algunas premisas de la streetphotography de manual, pero sin embargo no deja de extraer el potencial de personas en un espacio público para recrear una historia previa.
DiCorcia, que no solo trabaja en lugares públicos, explica en una entrevista el porqué de esa distancia: “Nunca me he sentido particularmente cómodo fotografiando a gente”. Y aclara su motivación: “Para mí las personas representan cosas. Cada persona es un arquetipo que manipulo para que sea el arquetipo que me interesa, aunque la mayoría de las veces no sean de ese modo.”

Tino Soriano (Barcelona, 1955)
La fotografía callejera se lleva muy bien con la de viajes, y si no que se lo digan a Tino Soriano. En los 25 años que lleva este autor de National Geographic en la profesión, el humor -que ha sabido encontrar en todos sus viajes- ha sido uno de sus sellos. Un buen olfato, saber leer la escena, los personajes y el contexto le han permitido transformar infinidad de situaciones inocentes en buenas fotografías.
Su interés por mostrar la vida diaria, auténtica y autóctona de los muchos lugares en los que ha trabajado y su labor fotoperiodística le han llevado a concebir algunas de las imágenes más humanas dentro del género. “Explicar la vida de una manera amable puede ser tan interesante para la gente que ve mi trabajo como para mí mismo”, comentaba a Quesabesde en 2006.
El estilo de Soriano tiene trazas de Alex Webb en su forma y un sentido del humor que en ocasiones remite a Elliott Erwitt. Pero en esa unión hay una vertiente humana, de empatía.


Matt Stuart (Londres, 1974)
La fotografía callejera al servicio del humor. Ése es el principal objetivo de Matt Stuart, sin duda uno de los grandes autores actuales del género con imágenes que se mueven entre lo absurdo y lo irónico. “Creo que se trata del sentido del humor inglés. Hemos crecido con los Monty Python”, aseguraba a Quesabesde. Con su Leica y un 35 milímetros con la hiperfocal siempre lista (“he aprendido a ser rápido y discreto cuando fotografío en lugares públicos”), devora a diario varios rollos de película en sus paseos londinenses, donde se sabe mover como un zorro viejo.
Stuart tiene bien tomada la medida a la ciudad del Támesis y se nota que domina las distancias urbanas como nadie. Tan pronto retrata a un solitario business man de la City sentado en el metro como ordena perfectamente una decena de personajes que pasan por Oxford Streeten diferentes planos. O hace cobrar vida a un contenedor para desechos de obra. O incluso coloca a un perro al volante de un descapotable.
Los perros son un recurso habitual en el género, pero este británico reconoce que es fácil fotografiarlos. Los museos son otro de sus temas recurrentes, y aunque dice haber dejado de visitarlos, el British Museum y la Tate Modern han sido escenario de algunas de sus fotografías en blanco y negro.
Con todo, Stuart, que no es un amante de las grandes series (“con una foto realmente buena al año ya estoy contento”), se confiesa un amante del color: “Intento asegurarme de que las fotos que hago tengan colores vistosos. Uso el color porque me permite conectar con el color de la propia vida.”

Boogie (Belgrado, 1969)
Su verdadero nombre es Vladimir Milivojevich y su trasfondo social y cultural está estrechamente ligado la capital serbia durante los años 80 y 90. Un chaval hecho en la calle, que ya había visto de todo cuando aterrizó en Brooklyn, en 1998. Así, no es de extrañar que los bajos fondos sean los escenarios más habituales en sus fotografías callejeras, y las capas sociales más deterioradas, sus personajes más recurrentes.
Boogie utiliza este género para documentar un mundo en el que se mueve como pez en el agua. “Ella está sentada en el retrete, chutándose, y yo estoy de pie en la bañera, fotografiándola… y no hay ningún problema”, comenta el fotógrafo en “Everybody Street” a propósito de una imagen del reportaje “Drugs”, que realizó en Bed-Stuy y Bushwick, dos de los barrios más duros de Nueva York.
El serbio retrata situaciones y personajes extremos con la proximidad del que ha vivido muy de cerca una realidad que no le es ajena: Él mismo reconoce no tener miedo mientras fotografía a gánsteres, skin-heads o yonquis. Es una cuestión de actitud, de una forma de ser determinada más allá de querer buscar un tipo de fotografía.
En sus viajes a lugares como Tokio, Estambul, Tiflis, Caracas o su Belgrado natal, Boogie muestra una tendencia natural hacia las atmósferas oscuras, los puntos de vista extremos, las composiciones tensas, el caos de las líneas, los suburbios y los personajes del hampa.

Siegfried Hansen (Hamburgo, 1961)
Las fotografías de Siegfried Hansen son una especie de oda a la ciudad. Este autor alemán utiliza habitualmente recursos típicos como la repetición, los reflejos, la superposición de elementos y las líneas para redefinir el espacio urbano de forma casi poética. Con un minimalismo formal que reduce los elementos de la imagen a lo imprescindible, refuerza la sutilidad de objetos que habitualmente pasan desapercibidos en la calle.
Oportunista consumado, muchas de sus instantáneas son producto de un momento efímero, en el que una acción y un escenario sin interés aparente dan como resultado una imagen cargada de sentido gracias a la interrelación que el autor establece entre ellos. Aunque otras tantas fotografías son resultado de la paciente técnica del pescador, tan habitual en esta disciplina.
Hansen tiene olfato para descubrir el potencial de un lugar. Su interés por la fotografía callejera se centra, sobre todo, en elementos de arquitectura urbana, que conjuga de forma única para darles un nuevo sentido. En su particular forma de documentar la ciudad, muchas de sus fotografías tienen el valor añadido de la intriga -desenfoques, siluetas, personas con parte del cuerpo oculto-, que fuerza al espectador a repensar la imagen.
Con todo, las personas no cobran demasiado protagonismo en el trabajo de Hansen, que usa más la figura humana de forma impersonal. Él mismo lo reconocía en una entrevista: “Me siento muy atraído por las estructuras, las composiciones y los ambientes. No necesitas gente para fotografiar esto.”

domingo

7. CARNAVAL. DAR CUENTA DE UN EVENTO.


© Cristián Labarca Bravo. 2012© All rights reserved.

CUBRIR, CONTAR, DAR CUENTA DE UN EVENTO
Barrio Matta Sur - Carnaval San Antonio de Padua.


Domingo 8 de octubre: Gran Desfile de Comparsas: 15:30. Inicio Sierra Bella / Ventura Lavalle (Metro Av.Matta, Línea 3): se desfila por Sierra Bella hacia el sur, llegando a la Plaza Bogotá (Metro Ñuble, Línea 5).

***se evaluará sobre la base de 10 fotografías


© Cristián Labarca Bravo. 2012© All rights reserved.